Blue is the Warmest Color

Ceci est une critique en anglais que j’ai écrite pour un cours de cinéma lors d’un semestre d’études aux États-Unis. Une manière de voir la critique cinéma sous un autre angle.

The movie is the prestigious “Palme d’Or” winner at Cannes 2013, adapted from the comic Blue is the Warmest Color by Julie Maroh, written in 2010. From the original text, Abdellatif Kechiche, director of the film, has kept almost nothing.

At the age of 15, Adèle is convinced she has to date boys and dreams of the great love. She meets Thomas and thinks she has it. Emma, a beautiful young blue-haired student she saw the same day, will haunt her dreams and her most intimate desires. Blue is the Warmest Color is the story of the identity quest of a high school girl coming from a modest background trapped between social flaws, her passion for a woman from a comfortable background, Emma, and her more or less desire to live a homosexual life.

First of all, the essence of the story has been changed. Where the comic exposes a universal love story through homosexuality, poisoned by political issues and moral conventions, the film introduces a lesbophobian love story prohibited by social class. The comic was written by an affirmed lesbian. The film was done by a cisperson, played by two non-lesbian main characters, and orchestrated from the shooting to the editing by strictly heterosexual people, without the consultancy of any lesbian women. As a result, the love scene between Adèle and Emma is hetero-standardized, relieving the male gaze of Kechiche instead of traducing the ultimate devotion to sexual identity. The love scenes are scopophiliatic and pornographic, punctuated by inappropriate and inflicted extreme close-up shots of private parts.

These uncomfortable extreme close-up shots usually used as emotional or informational tools here become a tightly-framed convention, forcing us to agree with Kechiche gaze. The overuse annihilates the intrinsic value of a close-up. Emotions are psychologically and physically exhausting by this mise-en-scène. The comic depicts the love story with black and white strong shots, long and close, interspersed by the ubiquitous blue color of Emma, symbol of desire, political and social deviance. The film proclaims itself realistic by the close-up, shaky-cam, badly-focused, improvised, real-life oddities, teenaged-vocabulary style. Problem. An authentic realistic movie would not have shot more than 700 hours of film and edited scenes temporally irrelevant; it would have omitted any inflected sentimental point of view; it would have rejected any clichés or melodrama; it would have proposed a scientific view of causality in this impossible love story, not sociological destiny.

This impossible love story is, according to Kechiche, due to social class. Emma is socially and philosophically educated, Adèle is not. The first eats oysters and white wine, debates on philosophy, the second eats pasta bolognaise. What a great sense of tact, without any stereotypical distinction. Poor people stay with poor people, love or not, passion or not. This is fate, innate. Adèle does not have the philosophy needed, the framework needed, the emancipation toughness needed to carry on her love story with Emma – themes completely missing in the comic. Instead, Julie Maroh explains the break-up due to political engagement and moral problems. In the comic, Adèle’s parents discover their daughter and Emma’s love story by surprise. They strongly refuse it, kicking out Adèle in the middle of the night, almost naked, banishing her for life. It is explained with three pages of visual, without any speech bubbles. Adèle will be bullied by her friends at high school, isolated at first but then truly accomplishing her sexual identity thanks to her homosexual friend, Valentin. She will have to grow up faster than predicted, homeless and rejected, giving up family and most of her friends but still at teenage age. Maroh’s comic depict persistent modern homophobic opinions hard to admit. In addition, Emma and Adèle will distance in consequence of their different political engagement. Emma protests and wants to makes things change; Adèle just wants a love story. Guess what? Both political and moral themes are absent in the film. This proves us Kechiche does not focus on the universality of the subject but on social class hermeticism, where a person willing to change the rules is damned to alienation.

The consequence of such over manipulation in the content and subject matter reflects in the characters. In the comic, Adèle’s diary orchestrates the love story of the two characters. It gives Adèle subjectivity where the film relegates her in a mutism and solitude which provides her a mystic aura. The Adèle from the comic is more confident whereas the Adèle from the comic is more unassuming.

Of course some elements of the comic are reused in the film. The comic fan will be glad to find the erotic dreams, the protests, the blue metaphor or the sex scenes (though irrelevant as said earlier). Of course, this loose adaptation respects the majority of the plot. Nevertheless it changes beginning and end, cornerstone of the story. It also divides the film in two unbalanced and illegitimate parts, altering the narrative length. It also does not adopt the flashback narrative of the comic.

It changes almost everything: the story, the characters, the chronology, the themes, the message, and even the protagonist’s names. As the comic’s author Julie Maroh pointed out in a blog reaction about the film, “the simple fact of talking about a minority, whatever the minority, implicates defending cause”. Abdellatif Kechiche could have delivered the universal love story, filled with political and moral complexity. Instead, he projected the repressed desires of the first half of males and put the other half in a forced awkwardness, falsely realistic, falsely political.

Knowing that each adaptation is by essence a rape of the original, Blue is the Warmest Color is one of the crudest undressing I have ever seen. “Palme d’Or”? Really?

Gravity

Tout le monde en parle comme l’événement cinéma de cette année. Critiques et spectateurs sont (quasi) unanimes sur son ampleur. Ils ont raison, Gravity est surement ce que vous verrez de mieux cette année.

Ryan Stone (Sandra Bullock), spécialiste en ingénierie médicale effectue sa première mission spatiale avec Matt Kowalsky (George Clooney), astronaute expérimenté sur le point de prendre sa retraite. Alors que l’opération cosmique se déroule comme prévu, une brusque pluie de débris de satellites s’abat sur la navette et condamne les deux astronautes à errer dans l’espace, seuls et livrés à eux-mêmes.

L’arrivée d’un train en gare de La Ciotat, Naissance d’une Nation, Le Cuirassé Potemkine, Les Temps Modernes, Le Chanteur de Jazz, Casablanca, Autant en Emporte le Vent, Le Parrain, La Guerre des Étoiles, 2001 Odyssée de l’Espace, Avatar… La liste longue et subjective des films ayant marqué le cinéma risque d’accueillir un petit nouveau.

Le progrès technologique est une chose. Le progrès technologique au service d’une narration en est une autre. Le son synchronisé, la couleur, le deep focus, le widescreen, la 3D, toutes ces technologies ne sont que des gadgets si la matière brute, l’image, en pâtit plus que d’en bénéficier. Par exemple quand le widescreen est apparu, beaucoup de réalisateurs habitués à tourner en 1:33.1 se sont retrouvés désorientés par le nouveau standard. Ne parlons même pas du nombre de détritus sortant dans nos salles toutes les semaines tartinant généreusement leurs films de 3D pour y donner plus de goût. Établir une nouvelle norme ne tient pas que d’une prouesse technologique. Alfonso Cuarón consolide cet argument.

Alors même qu’il n’est pas encore sorti en France, Gravity fait parler de lui de par sa technique bien novatrice. En effet, afin de reproduire l’absence de gravité de l’espace, une technologie nommée « Light Box » a été inventée. Il s’agissait d’un cube rempli de lampes LED, de caméras robotisées contrôlées à distance et de systèmes télécommandés afin de simuler les effets de rotation des personnages ainsi que les mouvements latéraux, horizontaux et obliques, brusques et lents de la caméra. L’impressionnant engin ressemblait à ceci :

La grande maniabilité opérationnelle offre à Cuarón des possibilités quasi illimitées qu’il s’est empressé de saisir. Cependant, la large marge de manœuvre devait servir le discours de l’histoire, ne pas devenir de la poudre aux yeux. Quoi de mieux qu’un film se déroulant dans l’espace, où la gravité est nulle ? Une technologie si impressionnante aux portes de l’irréel se retrouve domptée par un contexte scénaristique éclatant de réalité. Car en somme, Gravity n’est pas un film de science-fiction. Non, c’est un film réaliste, où le contenu dirige la forme et où la caméra se transforme en personnage.

Scopophilie spatiale

Il est tout de même ironique et paradoxal de se sentir autant oppressé que dans l’espace. Et portant l’effet général est bien celui-ci. Si vous allez le voir la semaine prochaine à sa sortie, vous allez acheter un ticket, vous asseoir sur un siège et regarder quelques publicités et bandes-annonces. La lumière s’éteindra, le noir complet éclairera le vide, le bruit se dissipera et le film commencera. Et boom. Vous voilà propulsez à des milliers de kilomètres de votre salle de cinéma, en plein milieu de nulle part, en gravité autour de la Terre. Vous aurez l’impression d’avoir effectué le voyage spatial en un millième de seconde, propulsés tels des astronautes de la NASA. Ce premier plan est d’une puissance monstre. Il assure une transition parfaite entre le monde réel de votre quotidien et la virtualité d’un film. Pas un seul bruit pendant une bonne dizaine de secondes, pas un mouvement, rien ne se passe. Vous y êtes, là-bas en haut, et votre cœur s’emballe. L’idéal du Moi vient de prendre le dessus sur votre Moi. C’est terrifiant, mais excitant.

Hitchcock disait que les scènes les plus terrifiantes étaient les plus silencieuses. Gravity ne va pas à contre-courant de l’affirmation du célèbre cinéaste britannique. C’est à s’en demander si la bande-son de Steven Price était réellement nécessaire ? Les sons de mouvement, de respiration, de chocs d’objets et les dialogues auraient surement suffi.

Ce fameux plan-séquence

Cuarón a un penchant pour les plans-séquences. Il y en avait deux dans Les Fils de l’Homme, ici il y en aura un d’une bonne dizaine de minutes. Ses fonctions sont contextuelles et narratives. Tout d’abord, il permet de saisir toute la versatilité de ce lieu insolite. Qui dit absence de gravité dit annulation des règles de plans habituelles. Ces règles sont bonnes sur Terre, et nous n’y sommes pas. De plus, il accentue le style réaliste voulu par le réalisateur. Quoi de plus immersif qu’un plan unique, sans coupures, flottant, grossissant, réduisant et tournant à son gré ? Le plan-séquence nous donne une première approche émotionnelle des personnages. La caméra est calme dans ses mouvements et traditionnelle dans son angle de prise de vue lorsqu’elle cadre la néophyte spatiale Ryan Stone. Elle est rapide et mouvante lorsqu’elle cadre l’enjoué et bon vivant Matt Kowalsky. La caméra réagit ici comme un miroir, elle traduit de manière symbolique l’empreinte émotionnelle des protagonistes. Enfin, dernière fonction plus banale, mais tout de même notable, la caméra dicte le rythme par l’accélération de son mouvement, remplaçant la rapidité de montage des plans, ici hors contexte. Le plan-séquence de Gravity est techniquement impressionnant, mais narrativement cohérent.

Une allégorie de la vie

La narration, voilà la deuxième prouesse du film. Tenir en haleine une audience pendant une heure trente sur une histoire d’astronautes perdus dans l’espace était un véritable défi à relever. Au final, l’histoire et simple, le contexte est simple et il y a peu de personnages. Cuarón et son propre fils s’étant chargés du scénario se sont retrouvés avec très peu de bruit parasite. Un décor épuré, mais esthétique leur laisse la place d’installer un monde dense de comparaisons figuratives. Gravity avant d’être un film de « fiction spéculative » comme le dit son réalisateur, est l’histoire d’une renaissance humaine.

Ryan Stone a perdu son jeune enfant il y a quelques années et depuis elle se tue au travail, à la limite de l’aliénation pour combler son manque. C’est une femme brisée et morte à l’intérieur. Ce qui reste de vie dans cette femme part en mission spatiale qui va se transformer en mission de survie. La Terre est synonyme de vie dans cet environnement chaotique. Le film le dit d’ailleurs dans son texte de début : « Dans l’Espace,la vie est impossible ». Gaïa, autre nom donné à la Terre, est dans la mythologie grecque la « Déesse Mère », la créatrice originelle. Quoi de plus parlant que le contraste des couleurs et ce qu’il signifie entre l’Espace et la Terre. Élément redondant, la planète bleue reviendra dans l’essentiel des plans du film afin de nous rappeler le désir vital qu’elle représente. Ryan Stone, l’ombre d’elle-même va devoir renaître grâce à Gaïa.

Sa situation critique est une allégorie de son deuil maternel. Reliée avec un câble à la navette spatiale ou à l’astronaute Matt Kowalsky, elle va devoir couper le cordon qu’elle n’a jamais fait avec sa fille décédée et aller de l’avant si elle veut continuer à vivre. L’un des plans les plus évocateurs sera celui de sa position fœtale, véritable métaphore de sa renaissance. Le plan final renforce quant à lui l’interprétation que je viens de faire tout au long de cette critique. N’en disons pas plus !

Si 2001 l’Odyssée de l’Espace était jusque-là la référence, il partage désormais le siège avec Gravity de Alfonso Cuarón. Et vous n’avez pas fini d’en entendre parler.

 

Mud

Mud, merveille visuelle, récit absorbant et ode à l’Amérique méconnue, est en salles depuis une semaine. Embarcation sur le fleuve placide du Mississippi imminente.

Ellis (Tye Sheridan) et Neckbone (Jacob Lofland) sont deux jeunes gamins de 14 ans vivant au bord du Mississippi. En quête d’aventure, ils découvrent un bateau perché à 10m de hauteur aux branches d’un arbre situé sur une île inhabitée. Ou presque. Mud (Matthew McConaughey), un étrange personnage y séjourne en attendant que sa douce (Sarah Paulson) le rejoigne. Les deux gosses se rapprochent de Mud et l’aident dans son périple plus tumultueux qu’il ne semblait l’être…

Mud est le troisième film du jeune cinéaste Jeff Nichols après l’envoutant Shotgun Stories en 2007 et le mélancolique Take Shelter en 2011. Le réalisateur à la gueule d’ange établit un sans-faute, même pas l’ombre d’une erreur. Je vais donc faire de mon mieux pour commenter ce troisième chef-d’oeuvre sans que ma prose vire à l’onanisme.

Mud – Sur les rives du Mississippi est un film comme on en voit peu. Les véritables prouesses cinématographiques sont souvent celles qu’on attend le moins. Projeté en séance de 10h30 uniquement, noyé dans la masse d’oeuvres apathiques, je pénètre dans l’obscurité caverneuse d’une salle de cinéma commune. 2h10 plus tard, je sors de l’antre, satisfait du voyage que Jeff Nichols m’a offert. Mieux qu’une croisière aux Caraïbes, il vous faut découvrir l’endroit ou coule ce long fleuve d’Amérique.

Les États-Unis, terre promise aux nombreux rêves. Connue pour ses plages, ses buildings et ses burgers partout par tous. Un territoire immense renfermant certaines étendues moins connues, parfois méconnues des touristes et des curieux. Ce sont ces régions que Jeff Nichols s’efforce de filmer, d’enjoliver, de mettre en boite et de vous montrer. Après les plaines et les bas reliefs de l’Ohio dans Take Shelter, ce sont aux paysages aplatis de l’Arkansas profond d’être sublimés.

Mud est avant tout un film contemplatif, au rythme lent et ensorcelant. Pas de caméra à l’épaule, mais une steadicam, à la Malick pour que ce soit un film plus facile à regarder. « Le Mississippi coule à une vitesse de 5 km/h et est le plus sinueux au monde. Lorsque l’on navigue dessus, on ne voit pas où l’on va. » nous dit Nichols. Un constat qui se ressent dans la trame narrative de Mud. On se plaît à suivre un cours d’eau, un fil d’Ariane, sans réellement savoir où les protagonistes nous emmènent.

Le style mélancolique mélangé à une teinte de lyrisme dépeint une toile envoutante à l’ambiance feutrée, à tout moment prête à exploser. En plus de ce cadre idéal, le film est transcendé par une narration magistrale. Mud est un dépucelage de la vie pour les deux bambins, Ellis et Neckbone. Adolescents, sentimentalement et sexuellement émoustillés, ils vont s’identifier à ce mystérieux quidam qu’est Mud. Entre révélations et déceptions, ils passent un rite initiatique, sous les paroles évangélistes du reclus de l’île. Une découverte de soi et du monde à la Tom Sawyer de Mark Twain. Roman culte dont Jeff Nichols avoue s’être en partie inspiré.

L’histoire est subtilement imprégnée de mythes religieux. On peut ainsi retrouver Mud en Adam, Juniper sa dulcinée en Ève, le bateau perché en Arche de Noé et le célèbre serpent de la Genèse. L’utilisation de ces signes est pertinente pour deux raisons. Premièrement, l’initiation et la découverte du monde sont des éléments intemporels, traversant les âges depuis la nuit des temps. En attribuant ce mysticisme antique, la trame prend du volume et de l’intensité. Deuxièmement, l’univers de l’adolescence est rempli de métaphores permettant de simplifier la vision de leur monde.

Quant aux acteurs, la performance est impressionnante. Matthew McConaughey habite son personnage, ça en est presque troublant à certains moments. Le jeune Ellis interprété par Tye Sheridan, récemment découvert dans le dernier long-métrage de Terrence Malick, The Tree of Life, est parfait. La réussite est désolante tellement elle est écrasante…

L’Arkansas est une région humide et chaude, ensoleillée, mais jamais à l’abri de changements de situation nébuleux qu’il faut accepter malgré tout. Mud respire l’Arkansas, ce pays en apparence repoussant, en réalité attachant.

Si vous voulez, comme moi, récupérer les droits fonciers de votre trou du c** après avoir vu Gatsby le magnifique, allez voir Mud, il vaut vraiment le coup.

 

Gatsby le magnifique

La belle et célèbre histoire de F. S. Fitzgerald est, dans cette adaptation au cinéma, emballée dans un papier cadeau plus moche qu’un papier peint de grand-mère. Gatsby est un cadeau de décoration, une coquille vide.

En 1922, lorsque Nick Carraway, agent de change, s’installe à Long Island, il se lie d’amitié à son voisin, Jay Gatsby, un milliardaire énigmatique hôte des plus grandes et extravagantes fêtes de New York. Au coeur des mensonges et des amours de sa cousine, Daisy mariée à Tom Buchanan et des rêves de Jay Gatsby, Nick Carraway va être le témoin de péripéties romantiques, dramatiques et tragiques…

Il est 21h50 hier soir et je suis dans la file d’attente pour Gatsby le magnifique au MK2 de la Bibliothèque François Mitterand. En attendant la sortie du public de la séance de 20h, la masse s’entasse au premier étage tracé en serpentins. Dans mes mains, le roman de Francis Scott Fitzgerald. Je savoure les dix dernières pages du récit, jamais lu auparavant, avant de plonger dans la décadence de l’adaptation cinématographique qui m’attend. Parfaitement synchronisé, je termine ma lecture, les portes s’ouvrent, on s’installe, le film commence.

Gatsby est une magnifique histoire d’amour, d’espoir et de grandeur. Des sujets simples mais intemporels et universels. Maintes fois adapté au cinéma ou à la télévision, on retient particulièrement l’interprétation de Robert Redford en Gatsby dans le long-métrage de 1974, scénarisé par Francis Ford Coppala. Depuis la parution de texte en 1921, plusieurs se sont prêtés à l’exercice. Le dernier en date, celui auquel nous allons nous intéresser, s’appelle Baz Luhrmann.

Réalisateur adepte des adaptations ou fortes inspirations avec Moulin Rouge en 2001 et Romeo + Juliette en 1996, Baz (sacré prénom) a déjà trempé les pieds dans le genre. Alors, c’est pas toujours réussi et même parfois raté, admettons-le. Son cinéma est une fête, une orgie grandiloquente, incessante et provocante. Un style qui dépoussière les vieilles histoires en les inscrivant dans une logique contemporaine, disons-le, plus vendeuse. C’est avec une grande appréhension et beaucoup de réserve que je m’installe sur un des sièges rouge coquelicot de la salle mi éclairée.

Le résultat est à la hauteur d’une qualification de saut à perche, pas plus. Le film commence à une allure phénoménale, avec une hâte de puceau, sans jamais laisser à quiconque le temps de reprendre son souffle. Baz Luhrmann s’excite derrière sa caméra avec des zooms avant, zooms arrière à gerber. Le montage laisse à désirer, les images filent à l’allure d’un Speedy Gonzales. Ces vingt premières minutes de films devaient créer une tension et une attente à la découverte du visage de cet énigmatique Jay Gatsby. Première erreur. Un rythme lent, haché par la furie des soirées de Gatsby aurait accentué le mystère.

Gatsby le magnifique est porté par Leonardo DiCaprio juste, ne sombrant jamais dans la caricature de son personnage au double visage. Son sourire est aussi rassurant que Fitzgerald le décrit. Ses espoirs, animés par un rêve appartenant au passé, sont condamnés par le destin. Après avoir construit le plus beau des châteaux de cartes, la brise de la réalité fracasse la structure fragile, pourtant en apparence si solide. Cet effondrement omniprésent pendant tout le film est parfaitement retranscrit par un DiCaprio hésitant toujours sur le fil, toujours au bord du gouffre. Heureusement qu’il est là le beau blond parce-qu’il n’est pas aidé… Carrey Mulligan et Tobey Maguire sont diaphanes. Un échec particulièrement pour l’interprète de Daisy qui a autant de charisme qu’un taille-crayon.

Luhrmann est connu pour ses liftings modernes sur oeuvres anciennes. Mais la bande-son Jay-Z, Beyonce, Lana Del Rey et tout le reste, sans façon. Le livre respire la fièvre du jazz naissant de l’époque. Alors lorsqu’on entend des basses en fond sonore quand les personnages sont éloignés de la fête, on s’amuse de l’anachronisme ridicule.

Je mentionne rapidement le magnifique décor vert, so kitsch, en fin de film, à mourir de rire.

Le plus gros défaut réside dans la mise en scène. La stylisation de chaque scène et de chaque personnage laisse peu de place aux émotions. Au final, l’histoire de Gatsby, malgré toute la splendeur artificielle de son environnement, se résume à une simple histoire d’amour révolue. Baz Luhrmann traduit ce message mais dans la mauvaise langue et la forme finit par bouffer le fond.

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Les casse-burettes au cinéma (chapitre 2)

Le cinéma se partage dans un endroit où plusieurs personnes se regroupent dans des salles obscures et observent en silence un grand rectangle pendant longtemps. Cet étrange phénomène silencieux et quasi-religieux subit parfois quelques perturbations.

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casse-burettes (n.m.f.) : Individu qui a le don d’énerver. action d’importuner quelqu’un. Casse-pieds, personne désagréable.

Le bourré

Dans son estomac, quatre ou cinq 8.6. côtoient un rosé en promo et une fiole de Label 5 volée au supermarché du coin. Avec son haleine pouvant tuer un génocide, il propage dans la salle un doux parfum de rose. Il était saoul avant 22h et trainait dans la rue, il a vu de la lumière, il donné de l’argent, on lui a rendu un bout de papier et le voilà assis à côté de vous. Hagard, il est tout de même content de pouvoir roupiller un peu, les sièges sont confortables. Ah oui, il ronfle comme un porc, comme toute personne alcoolisée.

Le retardataire

Il est 21h15 mais certains cinémas le laisse encore entrer pour la séance de 20h50. Bah oui, il faut remplir les caisses voyons. Il arrive dans la salle avec son portable allumé pour servir de lampe torche. Application dédiée si vous êtes chanceux. Pratique mais pas très discret. Quand il a enfin trouvé sa place, il se faufile dans l’allée, non pas comme une anguille mais plutôt comme un buffle croisé taureau. Par contre les « excusez-moi » et les « pardon » filent comme s’il tenait tous les pêchés du monde sur ses épaules. Le retardataire est pluriel à Paris. Parole d’évangile.

Le criard

Film d’épouvante ou non, le criard crie, par définition. Un tueur armé d’un couteau sur le point de marteler sa victime, cri. Une musique haletante, cri. Un bébé tout mimi cracra dans les bras de sa génitrice, cri. Un baiser langoureux entre le joueur de foot et la pom-pom girl, cri. Le criard est émotif sous tous motifs.

Le bébé

Il est petit, moche, rouge, dodu, puant, pleurnicheur, baveux, agité, bruyant. Qui peut bien avoir l’idée d’amener un bébé dans une salle de cinéma ? T’es venu voir le dernier Disney, le dernier Gibli, le dernier Dreamworks, le dernier Chomet, alors tu te retrouves avec des enfants, et parmi eux, des petits enfants, ce que les parents appellent des bébés. Deux heures de hurlements, de pleurs, de bave et crotte t’attendent. Des idées horribles te passent par la tête : Auschwitz pour bambins.

Le rieur

Sur le même créneau que le criard, le rieur trouve que tout est drôle. Il est bon public, il se fend la poire, comme il le dit si bien. Dans un film de guerre, ses réactions deviennent cyniques, même gênantes. Self-made laugher, il a développé un rire unique. Désagréable au possible bien sûr. Mon préféré c’est le rire de cochon. Tellement civilisé.

Le mètre 90

Toi qui tappe les portes et les panneaux de baskets, terre-toi au fond, tu veux. Je me lasse de me dandiner à droite à gauche comme un vulgaire canard pour apercevoir un quart de l’écran.

Le mass murderer

Tu vis dans le Colorado, ou ailleurs, et t’es excité à l’idée d’aller voir le dernier Batman de Nolan en avant-première. Les choses se passent à fond jusqu’à ce qu’un pauvre quidam décide de faire son show perso. Pas de jongleries mais le cow-boy et les indiens, ou plutôt, le cow-boy et les bisons. Fusil d’assaut AR-15 à l’épaule, fusil à pompe et Glock dans le slibard, il inonde le public d’un bukkake de cartouches gratuites. La situation devient enquiquinante voire désagréable. Peut-être aurait-il été préférable d’aller voir The Amazing Spider-Man qui passait dans l’autre salle ? Plutôt mourir. Souhait exhaussé.

Pour voir le chapitre 1 des casse-burettes au cinéma, R.D.V. ici.

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L’écume des Jours

L’Ecume des Jours, adaptation du roman du même nom de Boris Vian est sorti hier au cinéma. Analyse.

Colin (Romain Duris) est un jeune homme riche, inventif et fougueux vivant à Paris. En compagnie de Chick (Gad Elmaleh), fan du philosophe contemporain Jean-Sol Partre, et Nicolas (Omar Sy) cuisinier fidèle, sa vie est remplie d’aventures fantasmatiques. Il découvre enfin l’amour grâce à Chloé (Audrey Tautou). Seulement, Chloé tombe gravement malade et Colin se tue au travail pour subvenir aux besoins médicaux de sa tendre. Peu à peu, son monde va s’écrouler…

Avant toute chose, je tiens à préciser que je n’ai pas lu le roman L’Ecume des Jours de Boris Vian. Pas encore. Après lecture, il est fort probable que j’en sorte avec une opinion plus affinée sur le film. Seulement, il faut que j’écrive sur cette adaptation de Michel Gondry. Un morceau de créativité pareil si peu commun mérite qu’on en parle le plus possible.

Michel Gondry est un réalisateur français connu pour les brillants films Eternal Sunshine of the Spotless Mine, The We and the I, Soyez sympas rembobinez et pour le moins brillant The Green Hornet. Baigné dans la musique dès son enfance, le petit Michel voulait être inventeur ou peintre quand il serait grand. Professionnellement, il se fait d’abord un nom en tant que réalisateur dans l’industrie des vidéos-clips. Björk, Paul McCartney, The White Stripes, Kayne West, Wyclef Jean, The Chemical Brothers… Après 13 ans de travail, il passe au grand écran et signe son premier long-métrage Human Nature. Le succès et la reconnaissance viendront en 2004, date de sortie de The Eternal Sunshine of the Spotless Mind.

Vian et Gondry sont deux frangins séparés par l’espace spacio-temporel. Héritage, influenceur ou double artistique, Vian est tout cela à la fois pour Gondry. L’Ecume des Jours relève du rêve éveillé révélé par un cauchemar, lui, bien réel. Qui de mieux donc que Michel Gondry, artisan rêveur mélancolique pour adapter cette oeuvre. Tim Burton ? L’état de décomposition dans lequel il a laissé Alice Aux Pays des Merveilles et Charlie et la Chocolaterie l’écarte de la compétition. Burton a perdu sa muse. Tant est si bien que l’adaptation cinématographique du fameux roman de 1947 était aussi bien attendu que craint.

Parlons concret. Le film est un succès. Il m’a fallu y réfléchir à deux fois avant de le dire. L’Ecume des Jours est un monde où les objets prennent vie. Loufoques, inattendus et amusants, ces objets font partie intégrante du film. Ils dominent la mise en scène et parfois on oublie qu’on est venu voir Gad Elmaleh, Romain Duris, Audrey Tautou et Omar Sy à l’écran. Le film prend parfois des allures de non-sens. Effacés par l’omniprésence d’un univers surnaturel et futuriste, les acteurs en deviennent diaphanes. Du moins c’est que j’en pensais pendant la première heure et demie.

L’univers surnaturel, bourré de gadgets en tous genres attise notre curiosité. Nos yeux se baladent d’un coin à l’autre de l’écran. Une véritable illumination créative qui retombe brutalement quand l’histoire bascule, quand Chloé devient malade. Alors qu’on assistait à un « film d’objets », la grande parade s’arrête. L’Ecume des Jours se recentre sur ses personnages, sur le malheur hasardeux qui les frappe, et qui frappe leur environnement par retroaction. Le monde fantasmagorique de Colin et de Chloé prend de tristes apparences de réel.

La grotesque parodie de Jean-Paul Sartre (Jean-Sol Partre) dans le film, illustre et réfute le courant existentialiste selon lequel l’existence de l’homme précède son essence, lui laissant la liberté et la responsabilité de ses choix. Absolument faux dans L’Ecume des Jours de Gondry. « Ce sont les objets qui changent, pas les hommes » nous dit le film. Colin, Chloé, Nicolas et Chick endurent inévitablement les changements de leur environnement.

La tristesse envahit le film, menace une histoire d’amour naissante et finit par l’achever. En apparence jovial et féérique, L’Ecume des Jours est en réalité une violente descente émotionnelle, sombre et fatidique.

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Promised Land

Mercredi dernier sortait Promised Land, film traitant le sujet polémique du gaz de schiste. Entre réussite dramatique et parti-pris narratif, le film n’aborde volontairement que la partie émmergée de l’iceberg, ou du forage si je puis dire.

Steve Butler (Matt Damon) travaille chez Global, une multinationale énergétique en quête de stocks de gaz de schiste sur le territoire américain. Avec sa collègue Sue Thomason (Rosemarie Dewitt), il doit négocier l’exploitation des richesses naturelles des habitants d’une ville du Nord-Est des Etats-Unis. Un tâche à laquelle il excelle. Pourtant, un présence écologique et une rencontre inattendue vont rendre le travail plus compliqué que prévu…

Avant d’être réalisé par Gus Van Sant, Promised Land est avant tout le bébé de Matt Damon. Fervent défenseur écologique, la polémique du gaz de schiste l’interpelle logiquement. Avec John Krasinski, il écrit un scénario sur le sujet. Il aurait du être derrière la caméra mais faute de temps, il fait appel à un vieux pote : Gus Van Sant.

Le tournage ne dure que 30 jours, dans une ville actuellement concernée par l’exploitation du gaz de schiste, avec les figurants de la bourgade et Damon ne porte pas de maquillage. Avec ces quelques informations techniques, on suppose que Gus Van Sant veut faire dans l’authenticité et traiter le coté humain et non politique du sujet.

Jackpot. Le film nous livre la moitié du tableau, voir seulement le cadre de la polémique du gaz de schiste. Promised Land s’attarde sur les problématiques de morale, de transmission de patrimoine agricole, de fierté et d’honneur. Ce ne sont que quelques-unes des cartes du deck. La corruption politique, la pollution des sols et de l’eau potable, la création d’emplois locaux, l’indépendance énergétique, la baisse des prix du gaz, la législation écologique américaine, les besoins hydrauliques des puits de forage … et j’en passe, ne sont que peu, voire pas traités. C’est un choix scénaristique que je peux comprendre. Cela permet de prendre du recul sur la polémique. Car après les arguments, les confrontations politiques, les stratagèmes rhétoriques et l’hypocrisie idéologique, que reste-t-il ? Des hommes. Des hommes attachés à leur terre et à leur train de vie qu’importe les soucis écologiques, politiques, économiques et sociaux que le gaz de schiste engrange.

Gus Van Sant a l’habitude de traiter des sujets politiques de cette manière. Il l’a déjà fait pour les massacres dans les écoles U.S. avec Elephant ou bien pour la bataille des droits homosexuels avec Harvey Milk. L’angle est donc intéressant mais la conclusion de l’histoire est déplorable. Le représentant candide et naïf qu’interprète Matt Damon subit la situation et se fait rattraper par sa morale tout au long du film. On y croit jusqu’à ce qu’un minable cliffhanger vienne pourrir le tout. Une légère déception à contrebalancer avec un mise en scène dynamique et aérienne très propre et une touchante complicité entre Matt Damon et Rosemarie Dewitt.

Les bénéfices et les risques du gaz de schiste prendraient des heures à être traités dans leur intégralité. Si le sujet vous intéresse réellement les deux documentaires Gasland et FrackNation, les débats TV, la presse pro et votre activité cérébrale sont à privilégier. Promised Land, laisse volontairement les spectateurs sur leur faim, en les poussant à la reflexion. Son titre, Terre Promise, à connotation religieuse évidente, nous laisse deux choix : croyant ou sceptique. Pour ou contre le gaz de schiste. Mais sans jamais prendre radicalement position. Avec légèreté et délicatesse, Promised Land expose, suppose, et suggère le problème sans jamais rentrer dans le vif du sujet. Un film dramatique sur trame de fond politique, une equation périlleuse mais magiquement réussie.

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